浅谈影视表演与戏剧表演的异同
一些表情，或是动作。比如“一个人在小的时候受过雷电的惊吓，那么即使是成年以后，当他面对雷电的时候，也会有一些下意识的动作或是表情变化。”而“下意识”对于演员的表演来说，下意识就是在体验中的一个亮点，以实施行动去激发演员对于创造角色的体验，从而能够找到人物创造角色的感觉，再由情感的基础去激发人物的下意识。行动就是心理活动、语言行动和形体行动的总和。无论是在摄像机镜头前，还是在舞台上演员都要积极的去行动，再由行动所获得的感受反馈给演员的内心，从而去得到创作角色人物的情感，通过一系列的行动去完成对角色的体验。“下意识”是无论影视表演，或是戏剧表演都需要演员应具备的基本素质，通过下意识而创作，塑造出来的人物角色，更加的富有感染力，人物形象更加生动，更能为观众们所接受。下意识让演员塑造的角色富有鲜活的色彩。
《所谓控制是指演员对于创造的人物的坚定意志，通过意识去对人物的行为，动作，甚至思想进行调节。》演员要通过体验对角色进行定位，而控制就是演员对于体验的一种定位手段。演员要在有深刻意识体验角色的基础上创造角色，要产生“我就是”那个人（亦为演员创造的，剧本中的人物），我就生活在那个环境里的真实感和信念。演员全身心的投入到创作人物当中，使人物角色自身拥有生命力。但是，但是如果演员忘记了对行动加以控制，而忘情的投入到创作时。那么这就是没有分寸感的表演，而对于要求真实的表演，失去了分寸感真实又从何谈起。演员通过体验而创造人物角色，演员必须为自己创造的角色做一个正确的定位，不然人物角色就不具备说服力，而控制就是保证角色定位的手段，当演员通过控制，而给角色加以定位时，也就标志着一个角色的诞生。无论影视表演，还是戏剧表演他们都需要演员对于角色进行合理的控制，确定人物形象的准确性。
《斯氏体系也提出表演艺术的在创造和性格化的要求，影视演员要做到在生活化的表演中塑造性格化的人物，性格化的人物要在生活化的表演中展现。》而性格对于时空有着一致的依赖性，表演创作艺术作为是表达人类深层情感的方式，他和我们日常生活能体验到的最真实的各种情感是有区别的。，是对情感更深的的理解与感悟，他是一种更深层次的对人类情感的进行体验的过程。使我们可以从不同的视角去审视和观察我们生活的世界。它是一种人类广泛的情感体验，而超越了一般的认知。我们生活的这个社会中的人，总是带有着自己的一些目的性去生活，无论目的是在精神层面上的，还是物质的。他们为了自己的目的总是隐藏自己的真实情感。而在表演艺术当中，合理的运用和释放自身的情感，这集中的体现人类的情感。因此，在我们日常的生活中，到处都在演戏，而在表演中的演员却恰恰相反要生活。我们需要把人的各种情感加以总结，归纳和提炼。并赋予他艺术的感染力，而这就要借助表演艺术创作。因此，性格需要时空对其进行规范。而创造人物角色性格，无论是影视表演，还是戏剧表演，对于时空都有着一致的依赖性。
3两种表演形式的殊异性
影视表演和戏剧表演的殊异性，是指演员在参与两种表演形式的创作时，需要不同注意和加强的地方。也就是对于演员在参与影视表演的创作
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时，要适应因为摄影机介入，而产生的表演的无序性和必须建立的镜头感。在参与戏剧表演时演员对于假定空间的遵循，和戏剧表演的连续性。以及在两种表演艺术形式中，演员和导演所处的不同的地位和存在方式。
3.1影视表演的无序性与戏剧表演的连续性
影视表演的最大的特点，就在于它表演的时的无序性。而戏剧表演最大的特点，恰恰与影视表演相反，是它在表演时的连续性。由于戏剧表演必须在一个假定环境（既是剧场舞台）中演出，而且必须在规定的时间中完成，所以戏剧演员的表演必须从头到尾一气呵成，中间排除更换场景不能有任何的中断。因为如果忽然中断表演的话，无论是演员的情感，还是观众的热情也都会随之中断。而影视表演就不一样，因为有摄影机的介入，可以在导演不满意，或是演员表演失误的情况下重来。从而就导致了两种表演形式的连续性和有序性。不过戏剧表演的连续性，却给演员带来了好处，因为戏剧演员可以在舞台上完整地表达角色，而且通过表演自然地逐步的，递进式的自我展开，演员可以连续的不受约束的进行表演和表达情感。但影视却不同于戏剧，由于影视表演与观众观看之间是分离的，因此演员的表演并不是观众看到的最后成型的表演，而是导演要在演员完成表演之后，还要通过各种技术手段，例如蒙太奇的运用，和后期剪辑才能最后完成，呈现在观众面前。
而且在要考虑经济问题，和拍摄影片所需要的费用，影片的拍摄往往不是按照，剧本中剧情发展的顺序进行的拍摄，而是按照场景进行的。剧组会把所有需要在一个场景中拍摄戏份全部，排列出来。然后一次性的将这个场景的戏份全部拍完，不管这同一场景中的戏份是不是连贯的，，不管这些场景处于剧本中剧情线的哪个一个位置。只要是一个场景就必须一次拍完。以免去反复组用一个场景的费用和麻烦。例如：“一部三十集的校园剧，剧本中每一集都会有一段在食堂的戏份，但是剧组会一次性将食堂的戏份全部赶拍出来。”不管演员对于这样拍摄，会不会有情感无法延续的问题。正是因为影视表演这种跳跃式的表演形式，给影视剧演员正确把握角色的火候带来了极大的困难。而这些在舞台表演中确是完全不存在的问题，这也恰恰是影视表演的难度所在。和两种表演形式不同的地方。而两种表演形式的连续性和无序性，也体现在了演员在表演时的情感上。因为影视表演还有一个特点就是在于表演被切割成了，一个个独立的小单位。比如：本来是情感连续，剧情十分紧密的上下镜头，可是在实际拍摄的时候，往往会因为各种各样的原因，而不能连续拍摄，被迫要间隔很长的时间。这样演员所要表达的情绪就被迫中断。这也就需要演员自身对情绪进行再次酝量与积累，而且一个镜头往往不能一次性通过，这其中可能有上面所提到过的，可能导演对演员的表演不满意，又或是演员自己忘词，走位出现错误。也可能不是演员表演上的差错，而是比如灯光，道具，服装等其它任何一个方面的差错，更可能是导演需要在不同的角度和景别中捕捉演员的表演。因此演员们往往一个动作，或是表情就要重拍无数遍。比如：“在电视剧《雷锋》当中，我饰演的小炊事员一场做饭的戏，因为是夜间要拍白天室内的戏，就需要在窗外架起灯光来模仿白天的日光，但是因为灯光达不到标准和导演需要不同景别进行拍摄的原因，这一场戏我就反复拍了
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七条才通过，而每重拍一次我就要从新酝酿情感和组织台词”这样就会造成演员情感的间断，而在戏剧表演中就不会发生这样的事情。因为演员上了舞台，无论是什么原因，都不能停止表演，必须连续的将剧本中的情景和人物情感呈现给观众。不过这也使得如果在舞台上，出现大的舞台事故，就很难挽救的局面。因为即使导演，也无法要求演员在表演时停止舞台表演，或是重新来一遍。这也两种表演不同的地方，影视表演影响演员感情的连续性，却可以及时修改在表演中出现的差错，或是调整演员的动作，情绪。而戏剧表演可以满足演员表演时情感的连续性。但无法再舞台上及时改正舞台失误。
3.2摄影机的介入对于两种表演不同的影响和要求
影视表演具有着很多的特性，比如：它的逼真性、时空性、无序性和蒙太奇技术，以及电影特有的生产过程（电视也类似）就必然的带来镜头前表演的种种特点。而摄影机的介入更是加强了影视表演的独特性。影视演员的表演是在摄影机的镜头前，并不是直面观众。所以摄影机就成了演员表演与观众观赏之间的一个中间媒介。这样就使得影视演员在摄影机的镜头前，不能象戏剧演员在舞台上那样和观众有着较为直接的交流。并能及时的从观众的反馈中，去修正演员所饰演的角色的人物感觉。影视剧拍摄只是有一个相对理性的导演，在拍摄现场对演员表演，以及其他技术方面进行监督，从而缺乏由观众观看后感性的反馈。例如唏嘘，掌声，哭泣，大笑等。可以使演员产生成就感的反应。而演员失去了成就感，就会在创作激情上面大打折扣。因此，作为影视演员就必须具备较强的持久的自我调控能力。而且对于影视表演的短暂性、无序性更要求演员必须随时随地的立即进入角色的状态, 包括情感的调动和投入, 对剧中，情境中对人物角色状态的捕捉。演员应该在开拍前就将人物角色孕育的非常成熟，包括人物的基调、性格及其发展、规定情景的变化及各种人物关系的掌握、节奏、角度的配置和对各场戏及镜头的设想、处理等。而在戏剧表演中，因为演员有着直面观众，可以和观众直面交流的特点。就可以在表演时根据观众的反馈，及时进行一些细微方面的，增强人物性格和情感，不影响全局节奏与主旨的修改。所以戏剧表演，较之影视表演有着在及时接受观众反馈方面的一些灵活性的。
因为摄影机的介入，可以使观众能从任何距离与角度对演员的表演进行观看。而不像舞台表演那样，观众观看演员的表演只能是固定视角与距离，这是因为摄影机可以在最大程度上去纪录世界上，所存在的所有物质空间。正是这个特点对影视表演的分寸感，提出了不同于戏剧表演的要求。比如：戏剧表演只能在一个假定的空间（戏剧舞台）进行表演，虽然对演员的站位，角度，活动范围也有着相应的要求。但是在没有摄影机的介入下 ，演员只要在观众的视线范围之内，和能让观众最大程度听到，看到，不背台，不脱离剧情需要的地方进行表演就可以。而影视演员则不行，因为摄影技术的不断改进与发展。它可以记录演员不同侧面的表演。这其中就比如：通过摄影机的记录，观众可以看到演员细微的面部表情（亦为特写），腰部以上的肢体语言和情感表达（中景）等。这也就是影视表演中所说的景别。比如“我在电视剧《成家立业》当中饰演的问题学生，在追求
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同校的女孩，看见女孩身边的保护她的另外一位男同学时，脸上表现出的不屑和轻视的表情。”摄影机就可以通过“特写”这一手段轻易的把这细微的面部变化呈现在观众面前。而戏剧表演则对此无能为力。而景别还有着很多不同的划分，例如：远景，大全景，小全景，全景，中近景，近景等。都是在戏剧表演中无法细致体现的。在戏剧表演中，可以通过演员的表演，把人物角色的内心活动和情感，通过大量的台词与肢体语言表达出来。但是却无法让观众看清演员的一个，或许悲伤，或是兴奋，或许彷徨无措的眼神。但是影视表演，正因为有了摄影机技术的介入。却可以充分的表达，演员的一些细微表情与肢体变化。而且因为有摄影机的介入，使得影视演员必须建立镜头感，因为影视演员在表演的时候，面对的摄影机或是摄像机的镜头，演员要对镜头的画面效果有着具体感受,不能超出镜头画面的范围表演，因为那样摄影机就无法捕捉到演员的表演了。还要适应不同景别，以及各种摄影技巧的处理（仰拍，俯拍，跟拍等），适应影视剧特有的现场的场面调度等。如上面提到的：远景（或全景）与特写（或近景），这就要求演员的表演要有一定的技巧手段和分寸感。用不同的形体动作的幅度和技巧去体现不同的镜头要求，远景（或全景）着重与演员形体的表现力；而特写（或近景）则要求演员较为丰富的情感的内心体验和细腻的面部表情，甚至一个不易察觉的眼神等。摄影机的介入使影视演员必须具备镜头感，而对于直面观众的戏剧表演则不需要。
3.3导演和演员在两种表演中存在的方式和地位不同
“沙剧王子奥利佛，曾经说过这样一句话，大致意思是说：“舞台才是演员真正的生命，戏剧表演艺术才是真正的艺术。”因为相对于影视表演，戏剧表演有着更大的空间来提升演员自身的表演潜力。虽然我本人对此话也多有偏颇。但是对于演员自身来说，在戏剧表演的中，一旦舞台的帷幕拉开，那么“演员”就自然而然的成为了支配整场演出进程，控制舞台节奏的主角，虽然导演是整部戏剧在上演前的排练中，统筹规划一切，把握节奏，掌控演员表演的重要因素。但是一旦戏真的开演，演员才是掌控一切的所在。演员才是自己的导演。在面对观众与观众直接进行交流的戏剧舞台上。演员才是起到主导地位的存在。因为在正式演出的舞台上，无论出现什么样的意外，导演都要遵从戏剧表演的连续性，而不能中断演出。只能靠演员自身的经验，技巧，以及灵活的头脑去降低，或是减小舞台事故对整部戏的进程和节奏所造成的影响。而在影视表演中，则不是这样，因为演员的表演并不是直面观众的，是在有摄影技术介入的情况下，通过导演最后的剪辑，以及各种技术处理后才会呈现在观众面前的。所以在影视剧当中，导演才是真正起到决定性因素的所在。《就如法国电影导演罗贝尔，布莱松所说“电影演员是不起解释作用的艺术家，而只是摄制和剪辑的原材料。》而影视剧演员无论在作品中如何的卖力表演，投入情感。对于导演来说也只是完成整部作品的一个必要的元素。所以对于影视演员提升自身表演潜力和在塑造人物方面就很难有所长进。在影视艺术中，导演才是真正的艺术家，而演员只是起到一个辅助的作用。所以演员只有在舞台上才会有更多的创作和表现的空间。在舞台上演员才是真正起准定性因素
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